中国画|从原始彩陶到文人画：浅析中国画笔墨程式的发展史及其美感( 二 ) 程式|发展史|彩陶|文人画|中国画

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这一时期关于笔法墨色的理论也开始提出，谢赫提出“骨法用笔”“墨分五色”的绘画主张。到了唐代，由于国家统一、国力强盛，因此画家对于绘画本身形式技巧的探索也更加深入，表现也更加生动。阎立本的人物画善于用细劲的线描加以深沉的的着色，展现人物性格神态，具有丹青神妙之誉。此外，他还提出“提、按、虚、实”等笔墨技法。

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唐朝著名的是仕女画家张萱、周肪的创造出丰颊肥腴、设色艳丽，刚柔相济的琴线吴道子的“莼菜条”遒劲奔放，粗细顿挫，快慢转折，富于变化，能够表现“高側深斜，卷褶飘带之势”，使画面呈现出强烈的节奏感与动感，也使线描技法呈现出独立的审美价值。这一时期，关于墨色的探讨也较多的出现在画家中。比如张彦远的《历代名画记》就提出“运墨而五色具”的美学观点。五代两宋时期，花鸟、水墨山水大大兴起，而人物画趋于衰落。当时著名北派画家荆浩善于展现北方山川的雄峻之气，因此，画作笔墨有刮铁皴的技法；范宽用短促峻削的线条(雨点皴)表现北方山景；董源创造了表现矮树丛林的点子皴和表现江南土山的披麻皴，同时，还有米点皴、斧劈皴、拖泥带水皴等水墨技法，泼墨法、简笔描、折芦描等线描技法。李公麟将线描发展成为白描技法，这种完全以墨色浓淡表现对象的绘画技法有着精密严谨、朴实优美的特点，将物象的质感、虚；实关系、立体感等生动表现出来。如在《五马图》中李公麟用道劲秀雅的线条.恰当的淡墨晕染，生动展现了马的毛色状貌，动作姿态。

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元朝时期，画家崇尚“逸气”，“逸笔”，因此，他们的画中，形象已经弱化，笔墨成为独立审美对象。元四家以及米氏父子创作的米氏山水对元朝人来说，是非常震撼的，他们的画作展现了文人画纯粹玩弄笔墨效果的艺术追求。明清时期，文人画笔墨呈现出程式化、规范化的发展趋势，“气韵藏于笔墨，笔墨都成气韵”,文人们把用笔墨形式表现“气韵生动\"作为最高艺术标准，将中国画审美推到新高度。因此，笔墨不论在过去还是当下，都是传达画家主体世界最敏感最自由的载体，是内涵最丰富的中国式的绘画语言，中国画家通过创造的作品来述志育情，就是通过用笔用墨去体现自己的心境、意趣和气韵，画家谓之“写心”。中国画是靠笔墨来反映大千世界、宇宙自然的，又与民族文化息息相关。每一个学画者都有一个研习古人绘画风格，摹仿古人绘画技巧的临摹阶段，但是画家不应一味地模仿再现自然之物，而是要借笔墨、真实物象表达主体的情思意趣，表现画家的心灵世界。唐代张彦远在《历代名画记》论画六法中说：“夫象物比在形似，形似须全其骨气，骨气形似皆本于立意而归于用笔。故工画者多善书。”

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中国画的用笔与书法有共同之处。绘画理论中讲的“置阵布势”与书法理论中讲的间架结构、章法、行气等都是一致的。而画论中的“骨法用笔”、“气韵生动”、“经营位置”同样也是书法的审美要求。元代杨维桢说：“士大夫工画者必工书。其画法必书法所在。”清代郑板桥指出：“要知画法通书法，兰竹犹如草隶然”。我国的书法艺术是一座宝库，它提供了中国画用笔的技法和美学原理。国画用笔和书法用笔的本质问题都是节奏问题，中国画用笔的基本韵律观是由书法建立的。我们欣赏书法并不注重静态的比例或调和，而是暗中追溯艺术家从第一笔到末一笔的动作。如此看完全篇，仿佛欣赏纸上的舞蹈，这种舞蹈的旋律和节奏即作者感情的旋律和节奏在宣纸上留下的轨迹。它所形成的线条是活的线条，它的基本理论是美感即动感。这是中国画技巧和西方绘画的又一差别。书法用笔八法和国画用笔要领中所谓平、圆、重、变、留是一致的，不过前者具体，后者略为抽象，“写竹还须八法通”就说明二者间的关系。