中国画用色有什么讲究( 二 ) _国画同好会

中国艺术具有形而上的功能，这一功能具体体现在绘画艺术中，便是中国绘画艺术的“写意”特色。中国画讲究“外师造化，中得心源”，“造化”与“心源”之间恰恰是由“意”相互沟通的。所谓“立象以尽意”“得意而忘象”，正是中国画艺术表达的高境界。法国艺术大师巴尔蒂斯对于中国画非常崇尚；凡高的作品中也充满着东方情趣；米罗的作品更是如此。
为什么中国画有如此之大的魅力，使这些艺术家顶膜礼拜呢？关键就是在中国作品中所蕴含的精神因素和人文情。中国画不受客观条件的制约，而强调艺术家的主观精神，使画品用色具有更多的抽象因素。

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色在中国人看来它是一个综合效应。中国人的色不是瞬间概念，它像散点透视一样，它与时间延缓、空间交替、主观情绪都有关系。是红是黄是蓝并不重要，像色也。
带上主观情绪，世间道理改变自然色是国人赋彩的依据。春色是什么颜色，你会联想起欣欣向荣的姹紫嫣红，不仅如此，还有和煦的春风，鸟啼泉鸣，以及各种事物特定的形，总之，是荡漾在那时空的心绪。单一的铺红涂绿就显得不够的，能抓住这个“心绪”便是找抓住了用色的关键。
其实形象思维的实质不是惟妙惟肖地摹似形、色。只是通过形、色达到传达思维和思想情感的目的，运用形色虚拟地比画一下而已。能用片言只语传递信息则绝不长赘叙，写意就是点到为止。高品质的艺术家有这种直追心意、用心着色的方法，是会画出好画的。
对于国画艺术，科学的解剖、透视、色彩只会削弱它的民族性和意象美。当画者达到一定的水准之后，所有束缚意念发挥的常规方法能减则减，以至趋近于无。
敞大门让思想能游九天之遥，思想将是真正的主人。能够冲出形色与心灵的桎梏，信笔所至，毫无拘泥之处和造作之气，漾溢学识与坦露个性，当是画者所追求之大乘。

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中国画用色，不同于西画，没有那样繁杂。它是以中国画自身的传统笔墨作为主要造型手段，塑造其形体结构。色，充当弥补笔墨的不足，起辅助作用。在山水画中，经过千年的发展，已形成具有优良民族传统的用色规律和显著特点。在设色过程中，能否识别自然中各种不同物体的固有色，即能否掌握事物矛盾的特殊性的根本问题。所以，在用途实践中，充分利用中国画颜料的丰富表现力，通过墨与色的相互配合，达到相互对比与映衬，使之更绚丽多彩，更富有表现力和感染力。这就是中国画用色的一个显著特点。

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常常，在中国画的创作中，有时根据所要表达的需要，借鉴西画用色的特点，溶汇于中国画的传统用色之中，以丰富和增强画面的表现力。这时候，就应适当地考虑环境的变化和光的映照关系。这是画家们长期的创作实践，清晰地认识到色彩对人的感情有着强烈的感染力的结果。

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以山水画为例，山水画有水墨和设色两种。而设色中又分浅绛、青绿和没骨之分，青绿山水又分金碧、大青绿和小青绿三种。山水画设色方法多样，反映了山水画设色的丰富多样。而且“画由色彩而成，须注意色不碍墨，墨不碍色。更须注意色不碍色，斯得矣。”比如浅绛山水的用色，它专以淡赭石为主来表现景物。其中“绛”就是赭红色，有时也可稍带些紫褐色。它的唯一用色方法，就是一个“浅”字，故而称之为“浅绛” 。

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